Весенний плейлист

Мы сегодня рано встали.
Нам сегодня не до сна!
Говорят, скворцы вернулись!
Говорят, пришла весна!
Гайда Лагздынь. Март

Весна вдохновляла многих талантливых людей. Поэты воспевали ее красоту словами, художники пытались запечатлеть буйство ее красок с помощью кисти, а передать ее нежное звучание не раз пробовали музыканты. «Культура.РФ» вспоминает русских композиторов, посвятивших свои произведения весне.

Петр Чайковский, «Времена года. Весна»

Весенний плейлист

Константин Юон. Мартовское солнце. 1915. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Весна в исполнении выдающегося русского композитора раскрывается в трех из двенадцати картин фортепианного цикла «Времена года».

Идея создания музыкальных сезонов была не новой. Задолго до Петра Чайковского подобные зарисовки создавали итальянский маэстро Антонио Вивальди и австрийский композитор Йозеф Гайдн. Но если европейские мастера создавали сезонную картину природы, то Чайковский посвятил отдельную тему каждому месяцу.

Трогательные музыкальные зарисовки изначально не были спонтанным проявлением Чайковского любви к природе. Идея цикла принадлежала Николаю Бернарду, редактору журнала «Нувеллист». Именно он заказал его композитору для сборника, в котором музыкальные произведения сопровождались стихотворениями — в том числе Аполлона Майкова и Афанасия Фета. Весенние месяцы были представлены картинами «Март. Песня жаворонка», «Апрель. Подснежник» и «Май. Белые ночи».

Весна Чайковского получилась лиричной и одновременно яркой по звучанию. Именно такой, как когда-то о ней автор писал в письме Надежде фон Мекк: «Люблю я нашу зиму, долгую, упорную. Ждешь не дождешься, когда наступит пост, а с ним и первые признаки весны. Но зато какое волшебство наша весна своей внезапностью, своей роскошной силой!».

Николай Римский-Корсаков, «Снегурочка»

Весенний плейлист

Исаак Левитан. Март. 1895. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Знакомый многим с детства сюжет весенней сказки обрел музыкальную форму благодаря интересному стечению обстоятельств. Николай Римский-Корсаков познакомился со сказкой Александра Островского в 1874 году, но она произвела на композитора «странное» впечатление.

Только спустя пять лет, как вспоминал сам автор в своих мемуарах «Летописи к моей музыкальной жизни», он «прозрел на ее удивительную красоту». Получив разрешение Островского воспользоваться сюжетом его пьесы, композитор написал свою знаменитую оперу за три летних месяца.

В 1882 году на сцене Мариинского театра состоялась премьера оперы «Снегурочка» в четырех действиях. Островский высоко оценил труд Римского-Корсакова, отметив, что не мог никогда представить «более подходящей и живо выражающей всю поэзию языческого культа» музыки к своему сочинению. Образы юной дочери Мороза и Весны, пастуха Леля и царя Берендея получились настолько живыми, что сам композитор назвал «Снегурочку» «лучшим своим произведением».

Чтобы понять, какой видел весну Римский-Корсаков, стоит послушать начало «Пролога» и «Четвертое действие» его оперы.

Сергей Рахманинов, «Весенние воды»

Весенний плейлист

Архип Куинджи. Ранняя весна. 1890–1895. Харьковский художественный музей.

Еще в полях белеет снег,
А воды
уж весной шумят —
Бегут
и будят сонный брег,
Бегут
и блещут и гласят…
Они
гласят во все концы:
«Весна
идет, весна идет!
Мы молодой
весны гонцы,
Она
нас выслала вперед!
Федор Тютчев

Именно эти строки Федора Тютчева легли в основу одноименного романса Сергея Рахманинова «Весенние воды». Написанный в 1896 году, романс завершал ранний период творчества композитора, еще наполненный романтическими традициями и легкостью содержания.

Стремительное и бурлящее звучание весны Рахманинова соответствовало настроению эпохи: к концу XIX века, после господства критического реализма и цензуры второй половины столетия, общество пробуждалось, в нем нарастало революционное движение, а в общественном сознании присутствовала тревога, связанная со скорым вступлением в новую эпоху.

Александр Глазунов, «Времена года: весна»

Весенний плейлист

Борис Кустодиев. Весна. 1921. Художественная галерея Фонда поколений. Ханты-Мансийск.

В феврале 1900 года на сцене Мариинского театра состоялась премьера аллегорического балета «Времена года», в котором разворачивалась вечная история жизни Природы — от пробуждения после долгого зимнего сна до затухания в осеннем вальсе из листьев и снега.

Музыкальным сопровождением задумки Ивана Всеволожского стало сочинение Александра Глазунова, который на тот момент был известным и авторитетным музыкантом. Совместно со своим учителем Николаем Римским-Корсаковым он восстановил и закончил оперу Александра Бородина «Князь Игорь», дебютировал на Всемирной выставке в Париже и написал музыку к балету «Раймонда».

Сюжет «Времен года» Глазунов создал по мотивам собственной же симфонической картины «Весна», которую он написал девятью годами ранее. В ней весна обращалась за помощью к ветру Зефиру для того, чтобы прогнать зиму и окружить любовью и теплом все вокруг.

Симфоническая картина «Весна»

Игорь Стравинский, «Весна священная»

Весенний плейлист

Николай Рерих. Эскиз декорации к балету «Весна священная». 1910. Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Другой «весенний» балет принадлежит еще одному ученику Римского-Корсакова — Игорю Стравинскому. Как записал композитор в своих воспоминаниях «Хроника моей жизни», однажды в его воображении совершенно неожиданно возникла картина языческих ритуалов и девушки, пожертвовавшей своей красотой и жизнью во имя пробуждения священной весны.

Своей задумкой он поделился с художником-сценографом Николаем Рерихом, который был так же увлечен славянскими традициями, и антрепренером Сергеем Дягилевым.

Именно в рамках Русских сезонов Дягилева в Париже в мае 1913 года состоялась премьера балета. Публика языческих плясок не приняла и осудила «варварскую музыку». Постановка провалилась.

Главную идею балета композитор позже описал в статье «Что я хотел выразить в «Весне священной»: «Светлое Воскресение природы, которая возрождается к новой жизни, воскрешение полное, стихийное воскрешение зачатия всемирного». И эта необузданность действительно чувствуется в магической экспрессии музыки Стравинского, полной первозданных человеческих чувств и природных ритмов.

100 лет спустя, в том же театре на Елисейских Полях, где «Весна священная» была освистана, выступали с этой оперой труппа и оркестр Мариинского театра — на этот раз уже с аншлагом.

Часть первая «Поцелуй Земли». «Вешние хороводы»

Дмитрий Кабалевский, «Весна»

Весенний плейлист

Игорь Грабарь. Мартовский снег. 1904. Государственная Третьяковская галерея, Москва

В творчестве Дмитрия Кабалевского, классика советской музыкальной школы, общественного деятеля и педагога, мотивы весны встречались не раз. Например, весенние ноты звучат на протяжении всей оперетты «Весна поет», поставленной впервые в ноябре 1957 года на сцене Московского театра оперетты. Лихо закрученный сюжет сочинения в трех действиях был посвящен советской весне, символом которой была Октябрьская революция. Ария главной героини «Опять весна» подытоживала основную идею композитора: счастье заслуживается только борьбой.

Спустя три года Дмитрий Кабалевский посвятил еще одно произведение этому времени года — симфоническую поэму «Весна», которая сосредоточена вокруг звуков просыпающейся природы.

Симфоническая поэма «Весна», соч. 65 (1960)


Георгий Свиридов, «Весенняя кантата»

Весенний плейлист

Василий Бакшеев. Голубая весна. 1930. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Творчество Георгия Свиридова — один из главных символов советской музыкальной эпохи. Его сюита «Время вперед» и иллюстрации к пушкинской «Метели» давно стали классикой мировой культуры.

К теме весны композитор обратился в 1972 году: он сочинил вдохновленную поэмой Николая Некрасова «Кому на Руси жить хорошо» «Весеннюю кантату». Это произведение было своеобразным размышлением о выборе духовного пути России, однако Свиридов не лишил его присущего Некрасову поэтического восхищения красотой русской природы. Например, композитор сохранил в «Кантате» такие строки:

Весна уж начиналась,
Березка распускалася,
Как мы домой пошли…
Хорошо, светло
В мире Божием!
Хорошо, легко,
Ясно на сердце.
Николай Некрасов

Особым настроением обладает инструментальная часть кантаты «Колокола и рожки»:

Теги:Публикации раздела Музыка

Смотрите также

{"@type":"Article","description":"Провалы и успехи великих композиторов.","url":"https://www.culture.ru/materials/235696/naiti-i-ne-sdavatsya","@context":"http://schema.org","name":"Найти и не сдаваться","alternateName":"Найти и не сдаваться","image":{"@type":"ImageObject","url":"https://b1.culture.ru/c/798944.jpg","caption":"«,»width":1000,"height":563},"articleSection":"Публикации раздела Музыка","datePublished":"2018-03-18T00:00:00.000Z","articleBody":«Великих людей мы знаем по историям не только громких успехов, но и поражений, через которые пришлось пройти на пути к мечте. «Культура.РФ» рассказывает о переломных моментах в жизни известных русских композиторов. После ошеломительного успеха оперы «Жизнь за царя» в 1836 году Михаила Глинку, основателя русской музыкальной школы, увлекла идея оперы по мотивам поэмы Пушкина «Руслан и Людмила». В произведение композитор вложил все свои духовные и творческие силы, но петербургская публика приняла его крайне холодно.«В конце 5-го действия императорская фамилия уехала из театра. Когда опустили занавес, начали меня вызывать, но аплодировали очень недружно, между тем усердно шикали», — вспоминал композитор в своих записках.Помимо критики либретто, написанного уже без участия Александра Пушкина, а также выступления артистов, со скептицизмом зрители встретили и музыку Глинки. В ней он использовал новаторские и непривычные уху музыкальные приемы, отличные от традиционных итальянской и французской оперных школ, к которым публика оказалась не готова. В то время как сторонники Глинки защищали новый жанр — русскую эпическую оперу — и называли его музыкой будущих поколений, критики продолжали негодовать, возмущаясь, «почему же тогда ее предлагают им, современникам».«Руслана и Людмилу» очень долго считали «несценичным» произведением, партитуру сочинения переделывали и сокращали. Позже один из защитников оперы Глинки, известный музыкальный критик Владимир Стасов, назвал ее«мученицей нашего времени».Сам композитор тяжело переживал провал. Он уехал за границу, где продолжал писать, вдохновляясь мотивами Франции и Испании. В 1848 году в Варшаве Глинка вернулся к истокам русской музыки и написал симфоническую фантазию «Камаринская» на темы двух песен: свадебной лирической «Из-за гор, гор высоких» и бойкой плясовой. Так Глинка заложил новый тип русской симфонической музыки, которая сочетала самые разные ритмы, характеры и настроения. Впоследствии Петр Чайковский признал: «Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в желуде, заключена в симфонической фантазии «Камаринская».Удивительно, но при жизни Чайковского его самое известное и популярное сегодня произведение — балет «Лебединое озеро» — не нравилось публике и критикам. И хотя последние прежде всего ругали хореографа премьерного спектакля Венцеля Рейзингера и балерину Полину Карпакову, досталось и композитору. В частности, критик Герман Ларош приписывал ему «излишнюю любовь к медным и особенно ударным инструментам» и «свойственную слабость к громкой звучности».За пять сезонов дебютный балет Чайковского ставили всего 39 раз, после чего сняли с репертуара. Исключительно негативные отзывы убедили и самого композитора в недостатках «Лебединого озера», о котором он заявлял: «Чистая дрянь, вспоминать о ней без чувства стыда не могу».Однако основной причиной провала балета было несовершенство первой постановки: бедные декорации, слабая хореография и оркестр, не имевший ранее дела с такой сложной партитурой. Следующие балеты Чайковского, «Спящую красавицу» и «Щелкунчика», ждала другая судьба: благодаря сплоченному тандему театрального деятеля Ивана Всеволожского и хореографа Мариуса Петипа они сразу же обрели признание.После смерти Чайковского брат композитора Модест переделал либретто «Озера лебедей». И когда в 1895 году все тот же Мариус Петипа и балетмейстер Лев Иванов взялись за хореографию, балет ждал безоговорочный успех.Николай Римский-Корсаков, чье имя сегодня носит Санкт-Петербургская консерватория, за свою жизнь создал 15 опер. Он имел постоянную работу при консерватории и был одним из немногих русских композиторов, кто спокойно относился к творческим спадам. Так, в первой половине 1890-х годов Римский-Корсаков занимался исключительно написанием статей и редактированием прежних произведений. Но главное — вынашивал давнюю идею: написать оперу по мотивам «Ночи перед Рождеством» Николая Гоголя. Композитор самостоятельно подготовил либретто, наполнив его народными поверьями и мифологией.В 1895 году премьеру оперы публика Мариинского театра приняла более чем холодно, и вскоре ее сняли с репертуара. Не понравилась она и профессорам консерватории Александру Глазунову и Владимиру Стасову, мнением которых Римский-Корсаков очень дорожил. Глазунов указал на краткость мелодических оборотов, Стасов же раскритиковал драматургию: «Я сожалею, что она написана и будет поставлена на сцену. Дадут два-три раза и заговеются. Тут оперы ровно никакой нет. Хоров особенно замечательных, в самом деле важных, почти и в помине нет». В конце концов, сам Римский-Корсаков признал свою неудачу — и спокойно продолжил работать.Следующую его работу — оперу «Садко» — с самого начала не допустили к постановке на сцене Мариинского театра, а сам император посоветовал композитору «поискать для постановки что-нибудь повеселее». Тогда по совету музыкального критика Кругликова Римский-Корсаков предложил оперу Московскому частному театру Мамонтова — она была принята на ура.15 марта 1897 года в Петербурге впервые была исполнена Первая симфония Рахманинова. Молодой композитор создавал ее долго и мучительно и верил, что обрел в симфонии новые музыкальные пути.24-летнего музыканта, отмеченного самим Чайковским, к тому моменту уже хорошо знали и любили. Однако музыкальная критика Петербурга отреагировала на Первую симфонию отнюдь не похвалой.«При первых же звуках своей симфонии Рахманинов в ужасе забился на витую лестницу и, зажав уши ладонями, просидел там до самого конца. А затем стремительно выскочил на улицу. В зале раздавался неодобрительный шепот. Симфония потерпела сокрушительный провал», — рассказывал Евгений Светланов, известнейший дирижер XX века.Острые суждения критиков, которые называли музыку адской, однообразной, скучной, декадентской и лишенной всего национально русского, а ее создателя — неуравновешенной, болезненной, извращенной натурой, задевали Рахманинова. И даже заставили его изменить собственное мнение о сочинении:После провала композитор пребывал в глубокой депрессии, ничего не писал в течение трех лет и даже обращался за услугами гипноза к известному психотерапевту Николаю Далю. Именно ему он затем посвятил Концерт №2, который ждал большой успех. К симфониям же Рахманинов вернулся лишь через 12 лет после провала, уже будучи признанным композитором.Творческий путь Дмитрия Шостаковича долгое время был нестабильным. Окончив консерваторию по двум специальностям, он не мог решить, чем же заниматься: игрой на фортепиано или профессиональным сочинением. После смерти отца Шостаковича его семья пребывала в тяжелом финансовом положении, и ради заработка молодой композитор, уже успевший поработать тапером в ленинградских кинотеатрах, начал писать музыку к кино. Но его первая серьезная попытка — музыка к фильму Григория Козинцева и Леонида Трауберга «Новый Вавилон» — провалилась: дирижеры всех ленинградских кинотеатров категорически отказывались ее исполнять.Неудачи в кино заставили Шостаковича обратиться к театру. Он сотрудничал с театром Всеволода Мейерхольда, работал над балетами «Золотой век» и «Болт». Но и их сняли с репертуара из-за плохих отзывов прессы. И тогда Шостакович снова вернулся в кино, несмотря на заявление, что никакая нужда не заставит его это сделать. Так он стал первым композитором звукового кино. Его сочинения к фильмам «Золотые горы» и «Встречный» 1930-х годов до сих пор считаются шедеврами.Написав множество симфоний и оперу, принесшую ему мировую известность — «Леди Макбет Мценского уезда», — Шостакович все же не оставлял кинематограф. Более того, он изменил свое отношение к нему, прежде скептическое, и начал отстаивать необходимость развития киномузыки, утверждая, что «музыка в кино должна звучать лишь там, где она крайне необходима», а не быть лишь фоном. Всего Шостакович-кинокомпозитор создал 36 партитур — в том числе к фильмам «Молодая гвардия» Сергея Герасимова и «Встреча на Эльбе» Григория Александрова.Автор: Людмила Котлярова»,

Источник: culture.ru